Fred m'adresse une photo de Nadia devant ma toile "Nu blanc" qu'il a récemment emportée en vue de la vendre ou de l'acheter lui-même...


Nadia renvoie au nu que j'ai fait d'elle et que le couple à acquis.


Je n'aime pas mon nu blanc, trop simpliste, trop fade, loin de mon seul talent de coloriste que tout le monde, même les plus rétifs à ma peinture, me concèdent. Peindre sans la couleur, c'est se priver du plaisir physique d'étaler les pigments, de la modifier par l'adjonction de glacis colorés, de la réhausser par des vernis.


J'ai pourtant longtemps cherché le blanc.
Une oeuvre très féminine de Rosamond, artiste dont je n'ai pas trouvé trace, m'a jadis engagé dans cette quête.

Le blog de Nadia & Fred :
http://lesvieuxsinges.canalblog.com/

Mes peintures récentes :
http://perso.club-internet.fr/m_debray/PEINTURES/index.htm

 

Son site : http://membres.lycos.fr/nathbuz/

Frais, joyeux, décoratif, féminin...



Pas vraiment érotique, juste sensuel, reposant...

LA VÉNUS D'URBINO, par LE TITIEN - 1538 - Musée des Offices à Florence

Il est très difficile de parler de cette toile après l'auteur d'Autorut du Soleil (Buchet-Chastel, 1982) car il y a consacré quelques pages définitives. Là, on peut parler d'une vraie composition. Trois parties. Le décor est partagé en deux. A gauche la masse sombre d'une cloison ou d'un paravent. A droite une perspective. Une servante, une enfant qui fouille dans un coffre. Une fenêtre sur l'extérieur. Au premier plan, Vénus, nue. La main posée sur le pubis où convergent toutes les lignes. Le centre de la toile, c'est le sexe de cette jeune beauté à deux doigts (!) de s'astiquer la mandoline.
Le Titien avait reçu commande d'un portrait érotique de la jeune  maîtresse du duc de Guidobaldo.
Si les amants modernes passaient de semblables commandes aux artistes contemporains, il y aurait moins de peintres maudits qui noircissent le paysage de leurs jérémiades. Je ne vais pas vous faire un dessin…

PIERRE MOLINIER ou l’auto-érotisme noir et flamboyant.

 

 

 

 

Certains artistes demeurent inclassables, singuliers et leur postérité n’est que le fruit du hasard.

Pierre Molinier est né un vendredi saint 13 avril à Agen. Élevé chez les jésuites, il quitte ses études et travaille en autodidacte le dessin, la peinture et la photographie tout en devenant un compagnon charpentier. Comme Joseph… décidément… Mais Pierre Molinier restera un mécréant jusqu’à la fin de sa vie. A 20 ans, il quitte tout et monte à Paris pour se consacrer à la peinture. Visite de musées, copies de maîtres. Au bout de trois ans, il redescend sur Bordeaux où il se fixe définitivement.

En 1936, il invente « la peinture symboliste relevant du psychisme » et s’oriente vers la fixation de ses rêves et fantasmes sur la toile.

En 1946, il parvient à la création de toutes ces superbes créatures sombres et rougeoyantes comme un feu intérieur. La féminité est son unique sujet. Il crée en fait un style personnel inimitable, sorti de rien d’autre que de lui-même et de ses démons. C’est que la personnalité de l’artiste est étonnante.

Homosexuel, bisexuel, travesti en privé, à coup sûr narcissique puis qu’il considère que ses propres jambes mériteraient d’appartenir à une femme, son art érotique n’est pas celui, rutilant et grivois de Clovis Trouille, ni celui sec et froid d’Hans Bellmer. La peinture de Molinier est celle d’un artisan pointilleux, d’un compagnon du tour de hanches…

 

 

Très exigeant avec lui-même, il n’a de cesse de retoucher ses toiles indéfiniment. Les céder lui est un crève-cœur et il n’est pas ra      re qu’il rachète une de ses toiles pour l’améliorer ou parce qu’il juge que son propriétaire n’est pas digne de posséder un Molinier. A un écrivain qui voulait lui acheter une toile il demande d’abord à lire le dernier opus. L’ouvrage le consterne : « Je ne puis laisser une de mes œuvres en si mauvaises mains que les vôtres. En vérité vous êtes un con. Vous ne méritez pas mes toiles ! . Formidable liberté, sans souci de l’argent, de la postérité, de la marchandisation de l’art !

 

Molinier ne découvre le Surréalisme que tardivement lorsqu’il rencontre André Breton en 1954. En fait, il y a du reclus chez cet homme et son capharnaüm bordelais, orné de tentures, d’objets sexuels qui sont comme ceux d’une liturgie païenne. Breton l’accueille à l’Étoile scellée, la galerie qu’il avait fondée à Paris. Ce sera la seule et unique exposition publique de Molinier de son vivant. Classiquement, les marchands le « découvriront » après sa mort. Comme les charognards que la plupart d’entre eux sont. Prenez un artiste un peu maudit, faites-le entrer dans le cénacle des renifleurs de poudre et d’un milieu interlope où ses pulsions et ses passions se briseront comme des vagues sur le dur récif, entretenez à la fois sa déchéance, son alcoolisme et sa défonce. Faites le travailler à coups de bank-notes, quand même. Peu importe ce qu’il produit, c’est sa seule signature qui compte. Vous avez Utrillo, ou Modigliani, ou Baskia. On fera post-mortem des livres et des films hagiographiques alors qu’évidemment l’homme peut être absolument imbuvable, parce que, précisément buvant trop !

Dans sa retraite aquitaine, Molinier est à l’abri de ces tentations et puis, il porte en lui, dans ses gènes et son sang, la drogue sacrée du sexe et de ses excès.

A partir de 1965, Molinier délaisse la peinture pour la photographie et le collage.

   

Les modèles de Molinier n’étaient pas des prostituées mais des jeunes femmes qui acceptaient de se dénuder devant un homme, souvent maquillé et vêtu de guêpières et autres lingeries, qui aurait voulu être une femme afin de « courir les lesbiennes ». Celles qui ont sauté le pas, franchi son seuil, témoignent de l’expérience éblouie d’une patiente, lente et formidable érotisation qui rendait leurs visites addictives et sacrées.

  

Comment un homme qui ne possède pas, chevillée en lui, le fait féminin brut, depuis les suaves caresses jusqu’aux enculades sauvages où se mêlent les organes en copulations frénétiques et animales ? Lui sait ce qu’est d’être caressé, léché, mordu au haut des cuisses, dans cette bande de féminité totale entre le haut des bas de soie tendus par le petit harnachement du porte-jarretelles et le pli crural ou fessier.

 

Emmanuelle Arsan, née en 1940, la véritable Emmanuelle qui écrivit le livre éponyme et clandestin dans les années 60, fut son plus célèbre modèle. Emmanuelle n’est pas Sylvia Christel qui endossa le rôle cinématographique. Emmanuelle Arsan, épouse d’un diplomate, vivait en Thaïlande mais une correspondance suivie s’établit entre elle le peintre et chacun éprouvait pour l’autre une admiration réciproque. Sous son vrai nom de Marayat Andriane, Emmanuelle Arsan joue le rôle de Maily, à côté de Steve McQueen, dans La Canonnière du Yan Tse (1966). L’œuvre littéraire d’Emmanuelle Arsan est une recherche réelle sur la problématique de l’amour libertin et n’a que peu à voir avec ce que les marchands ont pu en faire par la suite. Comme c’est souvent le cas, le message libertaire et libertin des ouvrages premiers a été noyé sous un flot d’érotisme propret, inodore, incolore et sans saveur.

 

 Graveur, poète, créateur d’un film court, où il se met en scène Molinier est un homme qui aurait voulu être une femme. Ses œuvres onanistes, ses collages, où il se métamorphose en être androgyne témoigne d’une volonté de posséder à la fois les attributs masculins et les appas féminins. Le spectacle de lesbiennes faisant l’amour est pour lui le comble de la beauté. Véritable adorateur du corps de la femme, il voudrait que sur le même plan apparaissent les seins et les fesses…  Quelques documentaires furent tournés sur lui et son indéniable érotomanie.

 

Comme Dali, Trouille, Bellmer, Molinier est fasciné par les mannequins de cire qu’il travaille, habille, coiffe, bref pare pour ensuite les photographier, les retoucher dans un constant souci de perfection.

 

On a dit beaucoup de choses scabreuses sur Molinier. Il est probable que lui-même entretint soigneusement sa propre légende en l’enjolivant de détails sordides et de perversions plus ou moins assumées, plus ou moins réelles. Quelqu’un qui vit dans l’Éros avec cette constante ne peut être aux yeux du monde que scabreux, inquiétant, révulsant même. Cet ostracisme présente l’avantage de vous éloigner des imbéciles et de vous faire rencontrer de belles femmes libres et libertines. Si elles ne le sont pas au début, elles le deviendront sous les caresses fureteuses du pinceau du peintre.

 

 Il existe une relation singulière, inaliénable, sacrée. C’est celle du peintre et de son modèle. Il n’est point nécessaire qu’ils aient physiquement fait l’amour. A l’instant où le modèle se déshabille pour la première fois, où la femme se plie aux injonctions du photographe ou du plasticien, elle ne s’appartient plus. Elle n’appartient pas non plus à l’artiste. Elle appartient à l’œuvre en devenir. Cette expérience est indicible. Une virginité déchirée sous la lumière crue, ouatée ou domestique de l’atelier. Chez Molinier cet instant de dépucelage sacré, où le crayon pose la première trace de son ouvrage aussi sacrilège et pourtant fascinant des premiers pas dans la neige rose d’un matin de ciel coupant, est longuement et minutieusement préparé, dans un rituel sacrificiel…

 

 

Alors qu’il avait coutume de dire qu’il se suiciderait le jour où il serait psychologiquement diminué et où il ne pourrait plus faire l’amour, Pierre Molinier passa à l’acte le 3 mars 1976 et après avoir nourri ses chats, il se tira une balle dans la tête.

 

 

 

 

 

Hans Bellmer est né le 13 mars  1902 à Katowice, en Silésie. Son père le fait entrer dans une école technique où il recevra une formation d’ingénieur. En 1924, il rencontre les peintres expressionnistes allemands Otto Dix et Georges Grosz avec lesquels il se lie d’amitié. Il abandonne ses études et exerce des métiers divers où il développe son goût pour les activités artisanales notamment la typographie et la reliure. En 1927, il se marie et ouvre une agence de publicité.

1933 est l’année de l’arrivée au pouvoir des nazis contre lesquels Bellmer va lutter par la dérision et le refus de toute activité utile à l’État. Il commence la construction de sa  fameuse poupée sur laquelle il travaillera des années, mêlant photographies et collages surréalistes. Il publie en 1934 un livre à compte d’auteur sur La Poupée, à Karlsruhe.

 

Les poupées, les mannequins de cire sont fréquents chez les artistes proches du surréalisme  comme Trouille, Dali ou Molinier.

 La Poupée de Bellmer est une sculpture représentant en taille quasi-réelle (1,40 m) une jeune fille multiforme, aux cheveux foncés, coupés en frange sur le front, ornés sur le haut de la tête par un grand nœud raide, seulement vêtue de chaussettes blanches et d'escarpins de vernis noir, une grande poupée composée de nombreux membres pouvant être articulés les uns aux autres par des boules, une grosse boule, le ventre, sur laquelle peuvent s'articuler encore deux bas-ventres, quatre hanches articulées aux quatre cuisses, celles-ci articulées aux quatre jambes, et un buste à plusieurs seins, la tête et le cou amovibles. Hans Bellmer joue avec sa Poupée et multiplie les variations avec les différents éléments de son corps ; tantôt, par exemple, amputée aux genoux, la tête, décapitée, posée en arrière des deux boules des hanches figurant jeune arbre; ou, autre exemple, devenu monstre à quatre jambes, deux en haut, deux en bas, articulées à la boule centrale du ventre, mobile et suggérant la danse et la provocation du désir d'autrui, photographiée ici dans les bois, là sur un parquet, dans un grenier, vautrée tordue sur un matelas, deux jambes habillées d'un pantalon noir d'homme; ou à moitié démantelée, amputée d'une jambe, jetée dans un duvet, froissé par sa chute et son poids. Les photos sont polychromes, Bellmer les colorie de teintes changeantes sur la même photo, tantôt pastel, chair, rose pâle, rose plus soutenu, mauve, bleu clair, mais aussi de couleurs vives, rouge, jaune, bleu canard. La Poupée est érotique, c'est une « créature artificielle aux multiples potentialités anatomiques », par laquelle Bellmer entend découvrir la « mécanique du désir » et démasquer « l'inconscient physique » qui nous gouverne ; elle est enfantine, mais également victime de perversions sadiques ; ainsi démembrée, violentée, violée, elle correspond au désir de l'artiste de voir la femme accéder « au niveau de sa vocation expérimentale ».

 

Les surréalistes découvrent  Bellmer à Paris en 1935 et publient ses premiers travaux.

Après la mort de Margarete sa première femme, en 1939, il quitte Berlin pour Paris où il se lie avec les surréalistes et participe à leurs activités.

En 1940, en tant que citoyen allemand, il est interné au camp des Milles, près d’Aix-en-Provence où il rencontre Max Ernst. Cet épisode de l’histoire est relaté d’ailleurs dans un film intitulé Les Milles, avec Jean-Pierre Marielle dans le rôle du militaire français qui va emmener ses « prisonniers » afin de les soustraire aux troupes allemandes qui progressent, jusqu’à Hendaye, après de nombreuses péripéties. Certains gagneront la Grande-Bretagne ou s’exileront aux États-Unis.

Réfugié dans le Midi, Hans Bellmer se remarie en 1942 et aura deux filles : Doriane et Béatrice.

A la fin de la guerre, il  se sépare en vient vivre à Paris définitivement. Un recueil de textes-hommages lui est consacré.

En 1953 lors d’un séjour à Berlin il rencontre Unica Zürn qui le rejoindra à Paris un peu plus tard. Unica est présente dans de nombreuses œuvres. Elle-même est écrivaine et graphiste.

 

La mère de Bellmer disparaît en 1959 et en 1970, Unica, plusieurs fois internée pour schizophrénie se suicide le 19 octobre.

Le 23 février 1975, Bellmer meurt des suites d’un cancer de la vessie.

 

Ces éléments biographiques sont utiles pour comprendre l’œuvre dessiné, gravé et photographique de Hans Bellmer.

 

Les scènes érotiques explicites crûment dans les plaques de cuivre ou dessinées d’un trait impitoyable sur des feuilles de papier montrent un en-deçà terriblement biologique, viscéral, organique. Mais, contrairement à un Molinier où le sans coule sous le graphisme et la rutilance de la couleur, Bellmer ne montre souvent que les contours nets de la chair dans sa perfection érotique et désirable et, en-dessous, le squelette, parfois les entrailles, rarement les muscles.

La chair bellmérienne est sèche, dénuée de mouillure et de secrétions. Les vagins traversées par des membres turgescents ne produisent nulle cyprine et ne reçoivent en leur pathétique concavité aucune goutte de sperme. Souvent, entre les organes mécanisés, un fœtus déjà transformé en architectures d’os, occupe le centre de la composition où s’enchevêtrent positions amoureuses et postures sexuelles. Vie précocement envahie par la mort.

 

On découvre ainsi un ingénieur travaillant sur sa table à dessin examinant l’anatomie des corps en, sarabande, mais là où d’aucuns s’abandonneraient au fouillis plastique, Bellmer superpose des graphismes incisifs, coupants comme des lames effilées, parfaitement maîtrisés.

 

Bellmer recherche dans les brocantes, chez les fripiers, aux puces, dans les décharges tous les objets, les dentelles, les casses d’imprimerie aux caractères baroques de quoi nourrir sa création multiforme.

 

Après la Poupée, objet multiple, pouvant s’organiser avec des cardans et des flasques, des tenons et des mortaises, selon mille combinaisons où le sadisme n’est pas absent, c’est Unica Zürn, la compagne aimante, adorante, soumise qui servira  de jouet sexuel et de fétiche. Son œil deviendra vulve sur des gravures magnifiquement perverses.

Née à Berlin en 1916, Unica fut la compagne de Hans Bellmer, son amour éternel. Elle mit au jour de nombreux dessins précis d'animaux fantastiques, de manière obsessionnelle. Internée à plusieurs reprises... sa santé mentale se détériore de jour en jour. Son couple avec Hans est difficile. Elle se suicide en 1970.

 

Les œuvres produites dans l’immédiate après-guerre usent des procédés monotypiques de Max Ernst. Le monotype consiste à appliquer de la couleur sur une plaque et à prendre une empreinte sur une feuille de papier que l’on presse à la paume de main ou au rouleau. La feuille peut n’être pas vierge et comporter un dessin préalable qui sera ainsi mis en couleur de façon unique et non reproductible. On voit aussi dans cette veine surréaliste les collages et des montages d’objets hétéroclites à la manière de Dali.

 

L'œuvre de Bellmer, souvent associée par une dérive psychanalytique au vocabulaire de la perversion, reste une affirmation poétique du surréalisme dans ce qu'il a de plus pur. La relative proximité qu'entretiennent les photographies de la Poupée avec l'inquiétante étrangeté  freudiene place cette œuvre à la frontière entre l'érotisme et la mort, entre l'animé et l'inanimé. Le corps de la poupée, mais aussi les dessins et les gravures expriment des univers oniriques dans lesquels la conciliation des contraires est possible conformément au Manifeste du surréalisme de Breton. Bellmer illustrera aussi le Marquis de Sade, Georges Bataille, Lautréamont etc.